Luego de una década viviendo y creando en España, el artista puertorriqueño Carlos Cancio regresa a su país natal y celebra este nuevo capítulo con una exposición individual de gran formato titulada El mundo mágico de Cancio, que inaugura el jueves, 5 de febrero de 2026, en la Galería Petrus, en Santurce.
La muestra reúne más de treinta obras recientes que revelan el universo sincrético, vibrante y profundamente personal del artista. Su paleta, enriquecida por la experiencia europea y su reencuentro con la exuberancia caribeña, da paso a un recorrido visual cargado de simbolismo tropical y espiritual. Flamencos, flamboyanes, budas, santos y máscaras ancestrales conviven en composiciones que ocupan ambos niveles de la galería.
“Es un comeback. Quiero dejarle saber a la gente que estoy de vuelta”, expresó Cancio, quien vivió diez años en España. “Era la tercera vez que vivía en Europa, pero en mis planes siempre estaba regresar”, añadió. Sobre la esencia de la exposición, el artista destacó: “Mi mitología es una mezcolanza, pero con un toque más tropical, sobre todo ahora que he vuelto a Puerto Rico”.
Desde la perspectiva curatorial, Sylvia Villafañe, presidenta de la Galería Petrus, subrayó la importancia simbólica y emocional de este regreso. “Este retorno representa no solo el regreso físico de un artista a su tierra, sino también un renacer de su lenguaje visual, cargado de luz, energía y profundidad espiritual”, afirmó. Además, señaló que la exposición funciona como un puente entre culturas, tiempos y espacios, reafirmando la universalidad de la propuesta artística de Cancio.
Para más información, los interesados pueden comunicarse al 787.318.8993, escribir a info@petrusgallery.com.
En un ambiente cargado de entusiasmo, cercanía y pasión por la costura, la diseñadora, educadora y empresaria puertorriqueña Tommie Hernández presentó su más reciente libro, Atrévete a Coser Telas Elásticas, la noche del lunes 26 de enero en Casa Norberto, ubicada en Plaza Las Américas.
La actividad, moderada por la periodista Maricarmen Ortiz, se desarrolló en formato de conversación íntima, permitiendo que la autora compartiera la historia detrás del libro, su proceso creativo y la motivación que la llevó a crear esta guía dirigida a quienes desean aventurarse en el mundo de la costura con telas elásticas. El encuentro buscó conectar de manera directa con los amantes de la costura y abrirles las puertas al conocimiento y la inspiración que recoge la publicación.
Más de 100 personas se dieron cita en la librería, que se vio abarrotada en respaldo a la autora y como reflejo del creciente interés por la costura y esta nueva propuesta editorial. Durante la velada, los asistentes tuvieron la oportunidad de conocer más sobre la trayectoria de Hernández, adquirir el libro, tomarse fotos con la autora y recibir dedicatorias personalizadas, en un ambiente marcado por el entusiasmo y la cercanía.
“Estoy más que agradecida por su apoyo a este libro que creé como herramienta fácil de seguir y entender para todo el que desee aventurarse a hacer su inspiración con telas elásticas una realidad”, expresó Hernández.
Atrévete a Coser Telas Elásticas es más que un manual de costura. Se presenta como una guía completa para crear una colección de ropa casual en telas de punto (knit) utilizando una máquina doméstica. El libro incluye patrones impresos en tallas XS a XXL para confeccionar diez diseños únicos, con instrucciones claras y fotografías a color paso a paso. Además, ofrece bonos exclusivos como un mini curso online sobre telas elásticas y patrones digitales en tallas extendidas (2X a 6X), accesibles mediante un código QR incluido en la publicación.
Con más de 40 años de experiencia cosiendo y más de 25 años especializada en telas elásticas, Hernández comparte técnicas diseñadas para lograr acabados profesionales desde el hogar.
“Quiero que las personas se enamoren de la costura como yo lo hice a los 8 años; esa ha sido siempre mi misión y fue la razón principal detrás de este libro”, añadió la autora.
El libro ya está disponible en varias tiendas alrededor de la isla, entre ellas Almacenes Nathan en San Sebastián, Nathan Fabrics en Mayagüez, Family Fabrics y Mundo Telas en Aguada, El Telar de la Esquina en Moca, UNISEW en Bayamón, Casa Norberto, The Bookmark, Campos Sewing en Ponce, Casa Tomás en Carolina, Tiendas Las Telas en Arecibo y Tru Tru Creations Fabric & Sewing Store en Caguas. También puede adquirirse a través de www.libros787.com, www.vestibulo9fabrics.com y www.admth.com.
Para más información sobre el libro, puedes visitar www.admth.com o seguir a @academiatommiehernandez en Instagram.
Il Nuovo Mercato alcanza una década de historia celebrando diez años de aportación continua a la escena culinaria de Puerto Rico. Desde su apertura, este espacio se ha posicionado como uno de los principales destinos de gastronomía italiana en la isla y como un punto de encuentro donde convergen residentes y visitantes en busca de buena mesa, vinos y experiencias memorables.
A lo largo de estos diez años, Il Nuovo Mercato ha construido una propuesta sólida basada en el respeto por la cocina italiana tradicional, el uso de ingredientes frescos y artesanales, y una visión contemporánea que evoluciona junto al paladar del comensal moderno. Su concepto integral reúne cinco bodegas gastronómicas, un ambiente familiar, el Mercato Rooftop con vista a la Laguna San José y Starbene Caffè, reconocido por su café artesanal de tueste italiano. Esta diversidad ha permitido que el espacio se adapte a distintos momentos, desde almuerzos casuales hasta celebraciones especiales.
Para Roberto Betturi, presidente de Il Nuovo Mercato, este aniversario representa mucho más que una fecha simbólica. “Cumplir diez años es motivo de agradecimiento y orgullo. Han sido años de retos y aprendizajes que nos han permitido crecer de la mano de nuestro público, fortalecer nuestra identidad, apoyar a productores locales y consolidar un equipo comprometido. Este logro pertenece a todos los que han sido parte de nuestra historia”, expresó.
Como parte de la conmemoración, Il Nuovo Mercato ha preparado una semana especial de actividades del 25 al 31 de enero de 2026. Durante esos días, los visitantes podrán disfrutar de especiales diarios en cada una de las bodegas, así como promociones en vinos y cócteles, ofreciendo una experiencia distinta en cada visita.
La agenda inicia el domingo 25 de enero con un Family Day pensado para el disfrute de grandes y pequeños. La jornada contará con entretenimiento infantil a cargo de la Payasita Velita, juegos interactivos y pintacaritas, reforzando el carácter familiar que ha distinguido al Mercato desde sus inicios.
Cada día de la semana estará dedicado a una de sus bodegas: el lunes rendirá homenaje a las pizzas artesanales; el martes será el turno de las pastas tradicionales; el miércoles destacará la frescura de los pescados; el jueves pondrá en primer plano las carnes; el viernes presentará propuestas creativas de la bodega veggie; y el sábado cerrará la celebración en Starbene Caffè, resaltando el café artesanal y sus especialidades.
Mirando hacia el futuro, Il Nuovo Mercato continuará impulsando experiencias que se han convertido en favoritas del público, como las Noches de Vinos y Gastronomía, los Girls Night Out de los miércoles, la música en vivo de los jueves y el menú de tapas y eventos privados del Mercato Rooftop. Con ello, reafirma su compromiso de seguir innovando y ofreciendo espacios donde la gastronomía y el estilo de vida se encuentren.
Detalles de la celebración 📅 Fechas: del 25 al 31 de enero de 2026 🕚 Horario: Il Nuovo Mercato abre todos los días de 11:00 a.m. a 9:30 p.m. ☕ Starbene Caffè: desde las 9:30 a.m.
Para conocer más sobre las actividades del décimo aniversario, Il Nuovo Mercato invita a seguir sus redes sociales en Instagram y Facebook: @mercatosju.
La costura creativa en Puerto Rico suma una nueva razón para celebrar. La diseñadora, educadora y empresaria puertorriqueña Tommie Hernández se prepara para presentar su más reciente libro, Atrévete a Coser Telas Elásticas, una obra pensada para inspirar, educar y empoderar a quienes desean crear moda con seguridad y creatividad.
La cita será el lunes, 26 de enero a las 7:00 p. m., en Casa Norberto, ubicada en el tercer nivel de Plaza Las Américas. El evento será abierto al público y libre de costo, e incluirá una conversación especial entre la autora y la periodista Maricarmen Ortiz, ideal para conocer la historia, el proceso creativo y la inspiración detrás del libro.
“Este libro es el recurso que me hubiera gustado tener cuando comencé: claro, práctico y lleno de inspiración para crear sin miedo”, comparte Hernández, quien lleva décadas transformando la costura en una experiencia accesible y empoderadora.
Más allá de un manual tradicional, Atrévete a Coser Telas Elásticas funciona como una guía completa para crear una colección de ropa casual en telas knit utilizando una máquina doméstica. Incluye patrones impresos en tallas XS a XXL para confeccionar 10 diseños, instrucciones fáciles de seguir y fotografías a color paso a paso que acompañan todo el proceso.
El libro también sorprende con bonos exclusivos, como un mini curso online sobre telas elásticas y patrones digitales en tallas extendidas (2X a 6X), accesibles mediante un código QR incluido en la publicación. Todo el contenido está respaldado por más de 40 años de experiencia en la costura y 25 años especializada en telas elásticas, lo que se traduce en tips, técnicas y acabados de nivel profesional.
Evoto
“Quiero que te enamores de la costura como yo lo hice a los 8 años; esa es mi misión con este libro”, afirma la autora.
La presentación promete ser un encuentro íntimo, inspirador y muy chic para quienes aman la moda, el DIY y la creatividad sin reglas.
Para más información sobre el libro y el evento, visita www.academiademodas.com o sigue @academiatommiehernandez en Instagram.
Veuve Clicquot presentó oficialmente en Puerto Rico La Grande Dame 2018, la más reciente edición de su cuvée de prestigio. El lanzamiento marcó un momento significativo para la Maison, al coincidir con los 25 años de lanzamientos de añadas de La Grande Dame, una línea que honra la visión de Madame Clicquot, la mujer que transformó la historia del champagne en el siglo XIX.
Esta añada —definida por su equilibrio y precisión— reafirmó la filosofía enológica que distinguió a la Casa desde 1772. Elaborada con un ensamblaje dominado por 90% Pinot Noir y 10% Chardonnay, La Grande Dame 2018 destacó por su estructura, frescura y delicadeza aromática, consolidándose como una de las expresiones más elegantes del champagne contemporáneo. El Cellar Master Didier Mariotti describió el perfil de la cosecha como profundo y preciso, con notas cítricas de limón, yuzu y lima, fruta blanca, sutiles matices florales y un final vibrante de marcada tensión mineral.
El espíritu femenino que define a La Grande Dame se celebró en Puerto Rico con un encuentro especial en Cocina Abierta, donde la Maison rindió homenaje a once mujeres puertorriqueñas cuyas trayectorias reflejan audacia, innovación y excelencia.
Las homenajeadas fueron Ivonne Rodríguez-Wiewall, Adienid Muñiz, Crystal Díaz, Loisse Herger, Carmen Portela, Milagro Cabrera, Frances Estrada, Lucienne Gigante, Ilia Margarita Morales, Yadira Pizarro y Stella Nolasco. Cada una representó, desde su disciplina, la esencia contemporánea de La Grande Dame: liderazgo, visión y compromiso con la excelencia.
Esta presentación también puso de relieve la identidad renovada de La Grande Dame 2018. El diseño, dominado por el icónico amarillo Clicquot, incorporó un estuche elaborado con 60% de biomasa derivada del cáñamo, reflejando el enfoque sostenible de la Maison. La inclusión de una cinta personalizable añadió un elemento distintivo pensado para celebraciones y obsequios especiales.
La experiencia se completó con un menú de degustación diseñado para dialogar con la estructura y frescura de las cuvées. Los hors d’oeuvres de influencias caribeñas y asiáticas abrieron la velada junto a Veuve Clicquot Yellow Label, seguidos por una tostada de maíz con tartar de atún y limón Meyer. El crudo de pez león se maridó con Veuve Clicquot Vintage 2015, mientras que las langostas braseadas al carbón resaltaron la elegancia de La Grande Dame 2018. El cierre, un milhojas con frutos rojos, agua de rosas y naranja acompañado de Veuve Clicquot Rosé, celebró la riqueza gastronómica local.
Con esta presentación, Veuve Clicquot reafirmó en Puerto Rico el legado de Madame Clicquot y la vigencia de La Grande Dame como símbolo de audacia, sensibilidad y visión femenina, conectando el arte del champagne con historias que, como esta cuvée, trascienden generaciones.
B. Fernández & Hnos. y San Juan Artisan Distillers formalizaron una alianza estratégica que reforzó el desarrollo de la industria local de destilados y amplió el alcance de marcas artesanales elaboradas íntegramente en Puerto Rico. El anuncio se realizó en la emblemática Casita de Rones, en el Viejo San Juan, en un ambiente que celebró la herencia, la tierra y la creatividad boricua.
La velada fue una experiencia cuidadosamente curada que incluyó signature drinks elaborados con rones artesanales y música en vivo de Batuvibes, creando un contexto festivo que subrayó el espíritu cultural de la alianza y marcó el inicio de las festividades navideñas.
Fundada en 2011 y localizada en Vega Alta, San Juan Artisan Distillers se destacó por ser la primera y única Sugarcane Estate Distillery del país. Su modelo farm to bottle integró el cultivo, cosecha, fermentación y destilación de jugo de caña proveniente de variedades patrimoniales puertorriqueñas, procesadas en alambiques franceses estilo Cognac. Este enfoque permitió rescatar cultivos de caña cercanos a la extinción y transformarlos en expresiones únicas de ron agrícola.
Entre sus rones insignia, Ron Pepón se consolidó como el primer y único Ron Agrícola producido en la isla a partir de jugo de caña propio. Su versión Blanco Agrícola fue reconocida con medalla de oro en The Fifty Best White Rums 2021, mientras que Ron Pepón Añejo destacó por su crianza de 24 a 36 meses en barricas de roble americano de whiskey, ofreciendo notas de vainilla, madera tostada y el carácter herbal distintivo del agrícola. Todas sus ediciones fueron lanzadas como producciones limitadas, numeradas por botella, lote y año.
También incluyen en su cartera a TRESCLAVOS Ron Caña, una línea inspirada en la tradición puertorriqueña e infusionada con frutas tropicales cultivadas localmente, adquiridas a agricultores ubicados a menos de 50 millas de la destilería. Elaborado sin preservativos ni colorantes artificiales, TRESCLAVOS se presentó en siete expresiones: Ginger Spice, Sweet Piña, Tuti Fruits, Passion Parcha, Rumba Mango, Coco Loco y Bili Quenepa. A esta oferta se sumó TRESCLAVOS Ronsanto, el primer ron antillano mezclado en la isla, que integró Ron Pepón Agrícola Añejo con ron agrícola dominicano, ambos destilados a partir de jugo de caña y envejecidos durante 36 meses.
Durante el anuncio, José R. Álvarez Reyes, fundador y presidente de San Juan Artisan Distillers, destacó que cada botella reflejó la historia de la tierra y de quienes la trabajan, con el propósito de que el público local se reconociera en el producto. Por su parte, Marco Teixidor, vicepresidente ejecutivo de B. Fernández & Hnos., subrayó que la alianza fortaleció la industria, apoyó a los agricultores y celebró el orgullo de lo puertorriqueño. A su vez, Yarline Delgado, gerente de Mercadeo de Bebidas Alcohólicas de la empresa distribuidora, enfatizó que el objetivo principal fue garantizar la disponibilidad de estos productos desde bares especializados hasta supermercados en todas las comunidades.
Con esta unión, ambas compañías reafirmaron un compromiso compartido con la tierra, la tradición y el consumidor local, posicionando al ron agrícola puertorriqueño como un producto de identidad, calidad y proyección dentro y fuera de la isla.
DRGN reforzó su presencia en la escena culinaria de Condado al expandir su operación a los siete días de la semana. Ubicado dentro del exclusivo O:LV Hotel, el restaurante confirmó su posición como uno de los destinos gastronómicos más refinados de Puerto Rico, respondiendo a la creciente demanda por experiencias culinarias de alto nivel en la zona.
El concepto, liderado por el chef puertorriqueño Roberto Treviño, se distingue por una cocina asiática creativa que combina técnica, memoria e innovación. Esta nueva etapa del proyecto cuenta además con el respaldo operativo y estratégico de Robert Weakley y Abelardo Ruiz, reconocidos por su experiencia en hospitalidad y manejo de conceptos gastronómicos de gran escala, lo que permitió fortalecer la consistencia del servicio y la experiencia integral del comensal.
Desde el primer momento, DRGN se presenta como mucho más que un restaurante. Su diseño escénico —marcado por una sensual paleta de tonos borgoña, elegantes dorado y negro, lámparas escultóricas, espejos cuidadosamente ubicados y un mobiliario elegante— crea una atmósfera envolvente donde el lujo contemporáneo dialoga con referencias claras a la estética asiática. El espacio funciona como un verdadero escenario sensorial, pensado para impactar visualmente y acompañar la propuesta culinaria.
En cocina, la propuesta se centra en reinterpretar sabores que definieron una época, muchos de ellos asociados a la trayectoria previa del chef, pero ejecutados con una mirada más precisa, actual y audaz. El menú logra un balance natural entre nostalgia e innovación, atrayendo tanto a quienes buscaban reencontrarse con platos emblemáticos como a quienes desean descubrir nuevas creaciones.
Entre las incorporaciones más comentadas figuraron el Crispy Rice Montadito, una versión contemporánea del clásico arroz crujiente transformado en un bocado delicado, y el Signature Peking Style Duck, una interpretación personal de una de las preparaciones más icónicas de la cocina asiática, destacada por su técnica refinada y su presentación elegante. A estas propuestas se sumaron platos ya celebrados por el público, como el Duck Fried Rice, el Nigiri de Pata Negra con caviar, los Pork & Amarillo Dumplings y el Churrasco con Ho Fun Noodles, consolidando una oferta amplia y sofisticada.
La experiencia DRGN se completa con platos que demuestran la versatilidad del concepto, como el Sea Bass al Vapor con udon noodles en caldo shiro y ajo negro; las Robata Colorado Lamb Chops, inspiradas en técnicas japonesas; el Seared Bluefin Tuna con kombu sauce y tobiko; y el Kāo Churrasco, una fusión asiática-latina que reinterpretó un clásico local. La sección vegetal también tuvo un rol protagónico, con preparaciones como Ginger Scallion Amarillos, Lotus Root & Mushrooms, Crispy Eggplant y el Brussel Sprout Okonomiyaki.
Con esta nueva etapa, DRGN reafirmó su identidad como un referente de la cocina asiática contemporánea en Puerto Rico: un espacio donde el diseño, la técnica culinaria y el servicio se integraron para ofrecer una experiencia sofisticada, coherente y memorable en el corazón del Condado.
Monarca Cocina Mexicana abrió oficialmente sus puertas en la Avenida Ashford #1451, sumándose a la vibrante escena culinaria del Condado en San Juan, Puerto Rico. El restaurante se presentó como un nuevo espacio donde la gastronomía mexicana fue reinterpretada desde una óptica contemporánea, elegante y emocional, apostando por la hospitalidad como eje central de la experiencia.
La cocina está a cargo de la chef puertorriqueña Claudia Viña, cuya trayectoria incluye experiencias en cocinas reconocidas como Pio Pio en San Juan, The Breakers Hotel en Palm Beach y el Hyatt Regency Reserve en Río Grande. Su propuesta integra técnicas actuales con recetas tradicionales, cuidando el producto y los detalles para construir platos llenos de identidad, color y profundidad narrativa.
El concepto fue desarrollado por los empresarios puertorriqueños Jorge Rodríguez e Ivette Colón junto a los mexicanos Carlos Bravo y María Llamas, todos con experiencia en la industria de restaurantes en Estados Unidos. Unidos por una relación de amistad y una afinidad genuina por la cultura mexicana, dieron forma a un espacio acogedor, familiar y alineado con el carácter sofisticado del Condado.
Su nombre Monarca, inspirado en la emblemática mariposa que simboliza transformación y migración, surgió como una metáfora del viaje cultural entre México y Puerto Rico. La referencia evoca ese tránsito constante de tradiciones que encontraron hogar en la escena gastronómica local.
Entre sus elementos destacados está una cava privada de tequilas y mezcales con capacidad para doce personas, pensada para encuentros y celebraciones especiales, complementada por música suave y una estética moderna.
El menú presentó una selección amplia y cuidada de platos mexicanos. Entre ellos figuraron propuestas como el Bocado Michoacano con carnitas y queso mexicano, el Aguachile curado en cítricos, las tradicionales enmoladas y enchiladas, así como el Consomé del Alma. También se ofrecieron opciones como el Burrito Monarca, el Pollo a la Brasa marinado en achiote, el Filete de Arrachera y el Pescado en Pipián Verde. Para el público vegetariano, los Tacos del Campo destacaron por su combinación de vegetales asados y sabores frescos. En el cierre dulce, el Flan de Elote y Queso y el Tres Leches de Margarita completaron la experiencia.
Con esta apertura, Monarca Cocina Mexicana se establece como un nuevo punto de encuentro en Condado para quienes buscaban sabores mexicanos auténticos dentro de un entorno contemporáneo, cercano y cuidadosamente diseñado, reafirmando la cocina como un acto de identidad, familia y celebración.
Galería Petrus participó en la feria internacional Pinta Miami, presentando el trabajo de los artistas puertorriqueños Iván Báez Cartagena y Naimar Ramírez. La feria se celebró del 4 al 7 de diciembre en Coconut Grove, como parte de la reconocida Semana del Arte en Miami, reuniendo a coleccionistas, curadores y profesionales del arte de distintas partes del mundo.
Reconocida como la única feria internacional dedicada exclusivamente al arte latinoamericano e iberoamericano durante esa semana, Pinta Miami ofreció un formato curado y de escala boutique que propició un intercambio cercano entre artistas y público. En este contexto, la presencia de Galería Petrus subrayó el compromiso sostenido de Puerto Rico con el diálogo artístico global y con la proyección internacional del talento emergente del archipiélago.
La propuesta presentada incluyó obras de Iván Báez Cartagena, cuya práctica artística exploró las tensiones sociales, políticas y emocionales de las comunidades insulares. Su trabajo integró la belleza del Caribe con reflexiones sobre el éxodo, la resiliencia y la memoria colectiva, construyendo una narrativa visual cargada de sensibilidad contemporánea. Su trayectoria previa incluyó exposiciones en espacios locales e internacionales, así como participaciones en instituciones museísticas de Puerto Rico.
Por su parte, Naimar Ramírez presentó una obra centrada en procesos de reconstrucción personal a través de objetos y materiales encontrados. Sus esculturas propusieron una reflexión sobre el cuerpo, el espacio y el entorno, estableciendo un diálogo entre lo íntimo y lo colectivo, y entre lo fragmentado y la búsqueda de sentido. Su participación en Pinta Miami permitió situar este proceso creativo dentro de una conversación artística más amplia.
Sylvia Villafañe, directora y fundadora de Galería Petrus,, destacó que la participación en la feria reafirmó la misión de la galería de apoyar el arte puertorriqueño contemporáneo y amplificar su alcance fuera del Caribe. La selección de ambos artistas respondió a la fuerza de sus discursos y a la diversidad de sus lenguajes visuales, que dialogaron desde distintas perspectivas sobre la complejidad de lo caribeño.
Además de la feria principal, Pinta Art Week incluyó una programación cultural que articuló colaboraciones con museos, galerías y espacios independientes en toda la ciudad de Miami. Esta presencia contribuyó a posicionar a Puerto Rico como un actor relevante dentro de la conversación sobre arte contemporáneo en América Latina y el Caribe, consolidando su visibilidad en uno de los escenarios más influyentes del calendario artístico internacional.
El universo del lujo contemporáneo en Puerto Rico da un giro significativo con la llegada de La Casa de Blushing, una propuesta inédita que combina fashion, diseño y experiencia sensorial. Presentado por Porsche Center Puerto Rico y creado por el atelier creativo Blushing Effect, este novedoso pop-up store se posiciona como una plataforma donde la moda trasciende las vitrinas tradicionales para convertirse en una expresión artística.
La Casa de Blushing marca una nueva era para el retail de lujo en la isla. Este proyecto, concebido como un espacio inmersivo y altamente curado, conecta al público puertorriqueño con marcas emergentes provenientes de Madrid, Ámsterdam, Nueva York, Los Ángeles y Medellín. La iniciativa busca situar a Puerto Rico dentro de la conversación global del diseño, integrando talento internacional con una audiencia ávida de propuestas frescas y sofisticadas.
El atelier Blushing Effect, fundado por la creativa puertorriqueña Paulina V. Gómez, se ha caracterizado por construir universos visuales y narrativos capaces de transformar marcas. Con La Casa de Blushing, Gómez presenta su proyecto más anticipado: un espacio donde las firmas internacionales pueden exhibir sus colecciones, conectar con nuevos públicos y explorar un formato de compra sensorial y distintivo.
“La Casa de Blushing nace de un deseo muy claro: celebrar la moda como una forma de arte. Este proyecto refleja nuestra misión de abrir puertas y acercar nuevas marcas a la isla. El mundo de la moda se mueve a pasos acelerados en muchos mercados, y Puerto Rico debe formar parte de esa conversación y evolución”, destacó Paulina V. Gómez.
Como patrocinador principal, Porsche Center Puerto Rico reafirma su compromiso con la estética, la innovación y la cultura del lujo. Su apoyo a esta primera edición subraya la relevancia del proyecto en la escena contemporánea de la isla.
“Apoyar La Casa de Blushing nos permite impulsar experiencias que trascienden el retail tradicional y posicionar a Puerto Rico dentro del mapa global del lujo contemporáneo”, expresó Clarissa Torres Pabón, directora de Mercadeo de Gómez Hermanos Paulson, importador exclusivo de Porsche en Puerto Rico.
La Casa de Blushing abre sus puertas del 4 al 6 de diciembre en Paseo Caribe, en horario de 10:00 a.m. a 8:00 p.m., con entrada libre de costo. El público podrá explorar propuestas únicas de marcas como Flabelus, Casona, Sach, Dotthz, Pásame, Boca Ciega y Ser, cada una seleccionada por su lenguaje creativo y su capacidad de inspirar nuevas formas de vestir y habitar el estilo.
Galería Petrus inaugiró ayer Antología Pictórica: 1998–2025, una exposición de gran envergadura dedicada al maestro Luis Hernández Cruz. La muestra reunió una selección antológica de obras creadas a lo largo de los pasados 25 años, muchas de ellas inéditas y de gran formato, ofreciendo una mirada excepcional al desarrollo continuo de uno de los pilares de la plástica puertorriqueña y latinoamericana.
La exposición coincidió con el vigésimo aniversario de la primera retrospectiva del artista en Galería Petrus, Paisajes quiméricos, subrayando la relación histórica entre el creador y el espacio expositivo. A sus 89 años, Hernández Cruz se mantuvo activo en el ejercicio creativo, reafirmando una trayectoria marcada por la constancia, la exploración y una visión artística en permanente evolución.
Reconocido internacionalmente como uno de los grandes exponentes de la abstracción en América Latina, el artista concibió cada obra como un universo propio. Su lenguaje visual —que él mismo definió como abstracción orgánica o paisajes geométricos— integró referencias a la flora, la fauna, la física, la mitología, la filosofía, la literatura, la anatomía y la arquitectura, dando lugar a composiciones donde color, luz y contraste dialogaron con una intensidad profundamente caribeña.
Esta selección presentada destacó además por el uso persistente del formato grande y horizontal, una apuesta poco común que ha caracterizado la producción del maestro a lo largo de décadas. Según destacó la directora de la galería, la muestra reunió alrededor de una veintena de piezas nunca antes exhibidas al público, reafirmando la relevancia histórica y estética de su obra dentro del arte puertorriqueño.
El reconocimiento a la trayectoria de Hernández Cruz se reflejó también fuera del espacio expositivo. En ese periodo, el bufete McConnell Valdés celebró su 85 aniversario con la develación de una obra del artista, sumándose a una larga lista de distinciones nacionales e internacionales que ha recibido a lo largo de su carrera.
Su legado institucional fue igualmente destacado: dirigió la sección de Artes Plásticas del Ateneo Puertorriqueño, fue miembro fundador de la Escuela de Artes Plásticas y de la sección de artes plásticas de la Universidad de Puerto Rico, además de liderar en varias ocasiones su Departamento de Bellas Artes. También estuvo al frente del Museo de Historia, Antropología y Arte de la UPR y colaboró estrechamente con don Ricardo Alegría en los inicios del Instituto de Cultura Puertorriqueña.
Las obras de Luis Hernández Cruz forman parte de colecciones institucionales y privadas en distintos países, y permanecen accesibles al público en espacios emblemáticos como el Museo de Arte de Puerto Rico, el Museo de Arte de Ponce y el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré, donde destaca el vitral que engalana la Sala de Drama René Marqués.
Con Antología Pictórica: 1998–2025, Galería Petrus reafirmó su compromiso con la historia del arte puertorriqueño y ofreció al público una ocasión irrepetible para adentrarse en la obra de un creador esencial, cuya huella permanece viva y vigente en la cultura visual de Puerto Rico.
Dentro de The Art Room, el aire palpita con otra energía. Una energía que huele a pintura fresca, a tela nueva, a sueños que se despiertan. Aquí, la artista Christina Lewis Vizcarrondo y diseñadora Catira Blasini han tejido un universo llamado KA RISING. No es solo una exposición. Es un viaje. Uno que empezó con un sueño.
“Empezó con un sueño de ella,” dice una voz, como si confesara un secreto. “Y yo la llamé y le conté mi sueño”.
Así nació este junte, este primer trabajo creativo propio donde la pintura y la moda no se miran, se abrazan. El punto de partida: el ancestral Libro Egipcio de los Muertos. Pero no se imaginen arenas lejanas. Esto se siente caribeño. Se siente nuestro.
“The Book of the Dead es sobre purificar tu alma para, you know, to get into heaven,” explica Christina, cuyos cuadros explotan en una paleta de maga y sol. “Pero, para hacerlo más del Caribe, yo escogí la flor de maga porque se cierra por la noche y se abre por la mañana. And every day you’re sort of, your energy is renewed for all eternity“.
En las paredes, diosas y faraonas femeninas nacieron de una forma íntima, casi mágica. “Pensé en la amiga que tengo e hice photoshoots con ella,” relata. Primero, un sofá, plantas movidas para crear la escena. Después, el lente. Luego, las manos de Christina en Photoshop, distorsionando, añadiendo elementos digitales para crear un collage. Y por último, el salto a la tela, con pinceladas que son pura luz. “Todos los colores, yo sigo, every year sigo un poquito más clarita. Empecé super saturated, so ahora estoy mezclando más blanca, más light“. Es un estilo que habla de una evolución personal, de una artista que, como su obra, se ha ido aclarando, encontrando su brillo.
Pero hay un detalle que fascina: en estos retratos, no hay rostros definidos. “I want them to fill in who they think embodies. It could be them,” confiesa. Es una invitación. Un espejo. La diosa puede ser cualquiera de nosotras.
Entre las piezas, una pintura atrae con su historia. Es Cleopatra. “Ella está con muchas fetlas (perlas)”, cuenta Christina, con los ojos brillando. La anécdota es puro oro: Cleopatra, en un banquete para mostrar su poder, se quitó unos pendientes de perlas masivas, inestimables, y las disolvió en su copa para bebérselas. “Y han tratado de replicar el experimento, pero no han podido… the ancient Egyptians were great at that kind of stuff“. Es la leyenda convertida en pintura, el lujo convertido en gesto puro.
Y mientras las pinturas hablan de renacimiento, la moda de Catira Blasini le da cuerpo a ese espíritu. Fue el sueño de un runway show lo que las unió, un deseo que no se pudo dar en Austin pero que encontró su destino perfecto aquí, en su origen. En la galería, Catira presenta sus tres líneas de diseño: la comercial, los zapatos hechos a la medida y sus “trabos experimentales”. Piezas que hablan de artesanía, de trenzas de cuatro vidas tejidas con plástico reciclado por manos colombianas, de líneas que juegan con el cuerpo. Son prendas que no se visten, se habitan.
El círculo se cierra. El viaje del Ka –el espíritu vital– termina donde empezó: en casa. “Es como un sueño para las dos poder estar en nuestro origen y hacer lo que amamos,” dicen, y se nota. En cada pincelada de Christina, en cada costura de Catira, late el orgullo de ser puertorriqueñas, de crear aquí, de elevar desde aquí.
KA RISING es más que una exposición. Es el registro de una amistad que se volvió arte. Es el mapa de un viaje espiritual tejido con flores de maga y recuerdos de perlas disueltas. Es la prueba de que a veces, para ascender, solo hay que volver a la raíz. Y renacer.
Eddie Guerrero “Metalmorfosis” Primavera Verano 2026
En la edición Lujo Silencioso de San Juan Moda, Eddie Guerrero presentó “Metalmorfosis”, una propuesta coqueta, fresca y con una vibra rockera sofisticada que atrapó desde el primer look. Diseñada para hombre y mujer, la colección exploró la sensualidad ligera y el poder del metal a través de una paleta intensa dominada por negro burgundy, azules profundos, violetas brillantes y destellos metálicos.
Eddie logró ese equilibrio que muy pocos alcanzan: una rebeldía controlada, elegante, pulida… de esas que se sienten más en la actitud que en el volumen. Las piezas fluyeron con libertad, pero con el filo justo para mantener la narrativa rock-chic viva en cada salida. Fue una metamorfosis moderna, un homenaje a la evolución personal con estética nocturna y energía magnética. Eddie Guerrero, nuevamente, demostrando dominio, estilo y una visión que siempre va un paso más adelante.
Rubén Darío “Poème” Primavera Verano 2026
Celebrando sus 30 años en la industria de la moda, Rubén Darío elevó la Plaza del Quinto Centenario con un desfile que fue, literalmente, un poema visual: “Poème”. Su paleta —negro, blanco, rosado y dorado— marcó un ritmo elegante, clásico y atemporal, pero siempre con ese sello inconfundible que lo distingue. Rubén volvió a lograr lo que muy pocos diseñadores poseen como talento natural: crear piezas que funcionan tanto para la juventud moderna como para mujeres de estilo más maduro, sin perder cohesión estética.
Fue una colección que celebró su legado, su sensibilidad y su intuición impecable para vestir a la mujer con gracia, actitud y sofisticación. En esta edición Lujo Silencioso, Rubén Darío no solo presentó moda sino que presentó historia viva, memoria, y el tipo de elegancia que solo se obtiene después de tres décadas dominando el oficio con amor y visión.
Con RYTHM Primavera–Verano 2026, Leonardo Cordero Suria y Ana Sofía Cordero Mellado llevan la sastrería contemporánea a un territorio sensorial donde la moda se mueve —literalmente— al compás del cuerpo. La colección traduce los distintos ritmos de la música en siluetas que respiran, fluyen y vibran: un diálogo perfecto entre estructura y soltura.
Treinta y ocho cambios —26 masculinos y 12 femeninos— RYTHM marca una evolución gráfica para Leonardo Fifth Avenue, abrazando una estética más fluida, emocional y atrevida sin perder su herencia de precisión. Hombros amplios, cinturas definidas, pantalones anchos y chaquetas que liberan la rigidez clásica componen una propuesta donde el movimiento se vuelve lenguaje.
La paleta también baila: lila, marrón, teal, mostaza, amarillo claro y un rojo plaid que conecta con el nuevo monograma L5A. Las texturas —lanas ligeras, satines, acabados brillantes— añaden sensualidad y capas de ritmo, mientras los accesorios, siempre protagonistas, coronan el look con dramatismo: lazos monumentales, ruffles fluidos y corbatas dobles en capas.
RYTHM no es solo una colección: es una experiencia. Una invitación a sentir la moda como se siente la música—con intención, con cadencia, con libertad.
FRONT ROW NEWS
El desfile de Leonardo Fifth Avenue, además de reunir a los influencers más cotizados de Puerto Rico en un front row de lujo, sorprendió con un mini concierto que elevó por completo la experiencia. El dúo Buscabulla puso el mood perfecto, marcando el ritmo y la vibra de lo que sería una pasarela llena de energía, estilo y presencia.
WTF (WHAT THE FASHION).
Esta vez no venimos a señalar fashion fails. Esta vez venimos a decirlo claro, chic y sin miedo: el gran ganador de la temporada fue San Juan Moda.
Mientras otras pasarelas repitieron fórmulas, aquí en Puerto Rico se coronaron como los reyes del runway remix, convirtiendo la isla entera en un fashion playground. Esta edición nos llevó por escenarios tan variados que parecía un fashion safari de lujo:
Arena dorada en el Antiguo Casino
Plaza del Quinto Centenario bajo las estrellas
La Perla convertida en pasarela urbana con vibra global
La plazoleta del Centro de Bellas Artes de Santurce respirando arte vivo
Andamios y estructuras industriales dentro de ballrooms
Y otros espacios inesperados donde la moda se sintió fresca, valiente y brutalmente creativa
San Juan Moda no solo presentó desfiles… presentó experiencias. Y en una industria donde todos compiten por “innovar”, ellos simplemente cambiaron las reglas del juego.
Así que sí: WTF — What The Fashion ganó con estilo, y Puerto Rico fue la gran portada.
Hay marcas que producen ropa, mientras otras producen algo mucho más difícil de capturar: sensación, alma, movimiento. Conocimos a Carolina Escudero, diseñadora argentina radicada en Miami, durante el trunk show Moda Privé organizado por Unbox. Y como suele ocurrir con los talentos que trascienden la moda, lo primero que nos atrapó no fue una pieza, sino ella misma: una presencia cálida, libre, segura de su esencia. Una mujer que no tiene que hablar demasiado para hacerse notar, porque su propia energía lo hace por ella. Esa fuerza tranquila y magnética es exactamente lo que vive dentro de su marca: GIPCCO, un boho chic auténtico, sostenible, sensual y profundamente narrativo.
GIPCCO existe en un espacio donde la moda deja de ser industria y vuelve a ser origen. Sus piezas, creadas entre Miami y Argentina, reflejan una estética bohemia que se distingue por la forma en que Carolina honra los materiales y explora la cohesión entre fragmentos únicos. La sostenibilidad en su trabajo no es discurso, sino una sensibilidad innata que reduce el desperdicio porque escucha lo que la tela sueña ser y deja que los materiales hablen primero. Cada pieza nace del diálogo silencioso entre sus manos, su intuición y la historia contenida en las fibras.
Por eso, no sorprende que ella misma lo resuma con una delicadeza brutal: “Mi diseño nace cuando la tela me susurra lo que sueña ser.”
En GIPCCO, la esencia es palpable. Sus piezas se sienten vivas, crudas, intuitivas, llenas de carácter. Sensuales, pero nunca predecibles. Bohemias, pero con una fuerza madura y honesta. Libres, pero construidas desde la conciencia. Es una marca donde la identidad se expresa en texturas y donde cada prenda parece tener un pulso propio.
Carolina creció rodeada de la belleza cruda de Argentina—texturas, paisajes, historias pasadas de mano en mano—y esa raíz sigue respirando dentro de cada una de sus creaciones. Más tarde llegó Miami, con su modernidad luminosa, sus contrastes eléctricos, su energía de ciudad en movimiento. Y ahí, entre tierra y urbe, pasado y presente, tradiciones y reinvenciones, surgió la chispa que hoy es GIPCCO.
Su proceso creativo no responde a la tendencia; responde a la emoción. Carolina no sigue la moda; deja que la moda la alcance a ella. A veces una pieza nace de un botón, un encaje vintage o un fragmento de cuero. Otras veces surge de un recuerdo o de un sentimiento que necesita tomar forma. En su mundo no existen las reglas tradicionales del diseño. Existen la textura, el alma y la historia. Por eso GIPCCO es un lienzo vivo, un espacio donde lo intuitivo guía y donde cada prenda se convierte en un pequeño manifiesto de lo que significa crear sin miedo.
Los accesorios que acompañan la colección, bolsos y cinturones confeccionados en cuero real y adornados con piedras preciosas, son extensión directa de su visión. Tienen carácter, presencia y una artesanía honesta que abraza la imperfección como parte del encanto. Son piezas que honran la tradición, pero se sienten modernas; que narran pasado, pero caminan con fuerza en el presente. Están hechas para mujeres que entienden que un buen accesorio no complementa, sino que en si mismo es una expresión.
La sostenibilidad para GIPCCO es una práctica cotidiana y una postura ética: cada pieza se produce en cantidades limitadas para asegurar exclusividad y reducir exceso. Lo que sobra nunca se desecha; se transforma. En un mundo donde la industria de la moda abunda en desperdicio, Carolina opta por la intención: diseñar con integridad, reducir el impacto y crear prendas que respeten tanto a las personas como al planeta. Es una filosofía que se siente en cada costura. Cada puntada es una decisión; cada silueta, un símbolo.
En Puerto Rico, GIPCCO se encuentra exclusivamente en Unbox, un espacio curado por Viviana Collazos, que ha sabido seleccionar talentos que encarnan autenticidad, artesanía y propósito latinoamericano. Fue precisamente allí donde tuvimos nuestro primer encuentro con la marca, y donde descubrimos el universo creativo de Carolina y todo lo que representa. Sus piezas son hermosas, sensuales sin caer en obviedades, con tanta personalidad como la diseñadora misma. Capturan la libertad, la fuerza y la esencia de una mujer que siempre resalta entre el ruido de la industria sin necesidad de alzar la voz.
Son prendas que se transforman con quien las usa. Funcionan del día a la noche, del ambiente casual al momento especial. Pero lo más hermoso es que no pertenecen a una edad, sino a una actitud. Visten a mujeres jóvenes, maduras y a todas las que viven la moda como un lenguaje personal.
GIPCCO es exactamente ese tipo de marca que Traffic Chic defiende y celebra: honesta, profunda, con raíces ricas y una visión global que no sacrifica esencia. En palabras de su creadora, es “una carta de amor a la autenticidad, a la libertad de ser uno mismo y a la belleza de crear con propósito”. Y eso es lo que encontramos en cada pieza: alma, intención y un latido que solo las marcas verdaderas pueden generar.
Polka Dots Reloaded: el renacer de un ícono eterno
Los lunares, ese símbolo de coquetería atemporal, resurgen en las pasarelas F/W 2025 convertidos en una declaración de poder femenino. Desde los maxi dots dramáticos de Moschino y Fendi hasta los micro puntos casi abstractos de Valentino, este estampado trasciende su origen vintage y se vuelve un juego visual entre el clasicismo y la provocación.
Traffic Chic Insight: los lunares actuales no evocan inocencia, sino estrategia. Los diseñadores los usan para dirigir la mirada, acentuar curvas o romper la linealidad del look. Piensa en un vestido negro con lunares en terciopelo o una falda satinada con puntos metalizados.
Cómo llevarlo:
Evita el cliché de combinarlo con perlas. Cámbialas por joyería escultural.
De día, con blazer oversize y botas de cuero o kitten heels.
De noche, con labios rojos y una actitud “old Hollywood, new chic”.
Pencil Skirt Revival: la silueta que impone respeto
La falda lápiz, ese símbolo del poder femenino desde los 50’s, resurge como pieza central del guardarropa de la mujer que lidera con elegancia. Givenchy, Saint Laurent y Gucci presentan versiones que van desde el cuero con pinzas arquitectónicas hasta la lana con cierres visibles y aberturas estratégicas.
Traffic Chic Insight: la falda lápiz no solo estiliza, sino que comunica control. Es un recordatorio visual de la autoridad que viene del equilibrio entre estructura y sensualidad.
Cómo llevarla:
De noche, súmale una chaqueta corta de plumas o lentejuelas.
Con camisas de seda o turtlenecks ajustados para una silueta pulida.
Atrévete con una falda lápiz de cuero color borgoña combinada con botas hasta la rodilla para un look otoñal.
The New College Preppy: rebelde, intelectual y con propósito
El estilo preppy regresa, pero no es el de Harvard ni el de Gossip Girl; es el de una generación que redefine el éxito. Tory Burch, Bally y MKDT Studio reinventan los códigos universitarios con un aire de sofisticación y rebeldía minimalista: faldas plisadas en cuero, chalecos con estructura, corbatas femeninas y mocasines chunky.
Traffic Chic Insight: el nuevo preppy no busca perfección, busca identidad. Es la moda del intelecto libre y del poder contenido.
Cómo llevarlo:
Siéntete en control: mezcla uniformidad con deseo, estructura con personalidad.
Sustituye el suéter pastel por uno oversized de cashmere en gris oscuro.
Añade una mini falda de vinilo o un pantalón sastre con cinturón.
EL MIX
Entre los tonos neutros y los metálicos del otoño emerge un color que parece susurrar calma y sofisticación: pistachio. Es el nuevo lujo silencioso —fresco, cremoso, y profundamente elegante. Visto en suéteres de lana de Chanel y vestidos cortos de Gucci, el pistachio se consolida como el tono que relaja el ojo y eleva el look.
Traffic Chic Insight: en un mundo saturado de estímulos, vestir pistachio es casi un acto de rebeldía estética. Es la elegancia que no grita, la seguridad que no busca aprobación.
Cómo combinarlo:
Con camel y chocolate para un look de sofisticación terrenal.
Con gris perla y blanco roto para un look moderna y minimal.
Con toques de borgoña o lavanda para un acento inesperado y artístico.
Pieza clave: un abrigo pistachio de lana estructurada o un bolso geométrico en este tono.
TOQUE FINAL
Sculptural Accents: joyas que parecen arte
Esta temporada los accesorios dejan de ser complemento para convertirse en escultura. Chloé, Balmain y Givenchy lideran el movimiento con pendientes líquidos, brazaletes de metal fundido y bolsos que parecen piezas de galería.
Traffic Chic Insight: las formas orgánicas y asimétricas transmiten fuerza y sensibilidad a la vez. Representan el lujo intelectual: el de quien colecciona arte y lo lleva puesto.
Cómo llevarlo:
Evita competir con el maquillaje o el peinado; el balance es la clave.
Combina una pieza escultórica con un look minimalista.
Deja que un solo accesorio defina tu estilo.
Zapato Escolar: nostalgia con carácter
El Mary Jane se emancipa. Olvida la imagen infantil: en 2025 este zapato se vuelve audaz, fuerte y magnético. Visto en Miu Miu, Prada y Maison Margiela, se reinventa con plataformas, hebillas maxi y materiales como charol negro, terciopelo o glitter metálico.
Traffic Chic Insight: este zapato se ha convertido en un símbolo de dualidad: inocencia exterior y determinación interior. La feminidad, reinterpretada con rebeldía.
Cómo llevarlo:
En total look negro, es el toque “wow” que lo hace editorial.
Con calcetines de encaje, o medias de red bajo falda midi.
Úsalo con jeans rectos para una mezcla high-low irresistible.
Charms & Lockets: amuletos de estilo
Los collares con charms y medallones dominan el universo de la joyería simbólica. En una era donde buscamos significado, estas piezas cuentan historias: amor, libertad, protección. Louis Vuitton, Chloé y McQueen los reintroducen con un toque punk-lujoso.
Traffic Chic Insight: los accesorios ya no se compran, se coleccionan. Cada charm representa una emoción, una etapa, un poder.
Cómo llevarlo:
Ideal para darle alma a lo minimalista o personalidad a lo clásico.
Crea capas: combina cadenas finas con un solo colgante protagonista.
Úsalos con escote profundo o cuello blanco cerrado, para un contraste elegante.
En el mundo de la moda, donde las tendencias son efímeras y las carreras pueden ser volátiles, solo los verdaderamente resilientes y auténticos logran tallar un legado. Aura Busigó no es solo un nombre que resuena en redes sociales y backstages de producciones internacionales; es sinónimo de perseverancia, talento crudo y una evolución personal que ha redefinido lo que significa ser estilista e influencer en Puerto Rico.
Desde muy pequeña, Aura supo que su vida estaría ligada a la moda. Lo que no sabía era cómo. Comenzó, como muchos, estudiando diseño en instituciones como CentroModa Lisa Thon -ahora EDP Centromoda-, pero pronto descubrió que su paciencia no estaba en los patrones o las costuras.
“A mí no me llamen para hacer nada de eso. Yo tengo quien lo va a hacer y quien lo va a hacer a la perfección”, confiesa con la seguridad de quien conoce su valor.
Su primera oportunidad llegó en 2016 de la mano de la presentadora Andrea Rivera, una conexión que surgió a través de una amiga. Pero no fue suerte lo que siguió, sino esfuerzo puro. “Yo tuve que empujar con todo, literal”, recuerda.
Combinaba su incipiente carrera como estilista con la creación de contenido de moda, mientras su imagen – pelo azul, outfits atrevidos en negro y rojo – comenzaba a destacar en un mar de propuestas similares. No era una estrategia calculada, sino la manifestación pura de su esencia: “Simplemente yo soy quien soy”.
La trayectoria de Aura es un testimonio de que el talento local puede resonar a nivel global. Entre sus logros más destacados se encuentra una producción para Nike con el astro del fútbol Kylian Mbappé, un momento que ella describe como “algo mayor, top”. También ha vestido a la cantante Becky G, con quien mantiene contacto, y ha colaborado con la prestigiosa revista Harper’s Bazaar.
Pero sin duda, un punto de inflexión en su carrera fue ser la elegida para la campaña de Jean Paul Gauthier. “Lloré antes, durante y después”, confiesa. La llamada fue inesperada: “Necesitábamos una boricua, alguien de Puerto Rico y tú encajas perfectamente con la marca”. Representar a la isla como la única puertorriqueña en ese viaje no fue solo un logro profesional; fue un honor que, en sus palabras, “me cambió la vida”.
Para Aura, el styling no es solo elegir ropa; es un proceso creativo profundo. “Me puedo sentar frente a una pieza y mirarla por media hora”, dice, imaginando cómo deconstruirla y reinventarla. Su rama favorita es el entretenimiento, donde la libertad creativa es mayor y puede dar rienda suelta a su instinto.
Detrás del glamour, hubo una batalla interna. Antes de alcanzar la paz que hoy irradia, el estrés la llevó a un punto crítico de salud. Un encuentro espiritual marcó un antes y un después: “Desde que Él me tocó mi corazón, yo soy otra”. Esta transformación interna se reflejó incluso en su estilo, que se volvió más refinado, un fiel reflejo de su paz interior.
Hoy, su refugio es el gimnasio. “Es el mejor self-love que me he podido dar”, afirma. Es su fórmula secreta para mantenerse centrada, creativa y en equilibrio, incluso cuando los horarios de producción son agotadores.
Consciente de los vacíos en la educación tradicional de la moda local, Aura anuncia su próximo proyecto: una masterclass. “En Puerto Rico nadie te va a decir la clara, ni nadie te va a decir las cosas como son. Yo sí, con papeles y todo”. Promete desglosar todo, desde cómo cobrar y manejar la contabilidad hasta cómo tratar a los clientes. “Vine a cambiar el juego”.
Aprendió de sus errores: “Jamás en la vida vuelvan a trabajar dos años de gratis”. Recalca la importancia de poner límites y valorar el trabajo propio, una lección que le costó caro aprender pero que hoy aplica con sabiduría.
Entre sus sueños por cumplir, menciona trabajar con la reina de la belleza puertorriqueña Zuleika Rivera o, a nivel internacional, con Cardi B. “Me conformaría hasta con ser la asistente de su stylist, porque en verdad él está a otro nivel”, expresó sobre trabajar con Cardi B.
Y en medio de esta carrera meteórica, encuentra espacio para la vida personal: se acaba de casar en Italia, con un vestido customizado que ella misma concibió.
Aura Busigó quiere ser recordada como la persona que perseveró e hizo una carrera de algo que en Puerto Rico muchos no creían posible. “Mi mercado es luxury, es lujoso, a lo mejor no todo el mundo tiene el presupuesto para tener un stylist, pero en Puerto Rico sí hay”.
Su historia es un recordatorio potente de que, con autenticidad, resiliencia y una fe inquebrantable, no hay meta que no se pueda alcanzar. Aura no solo viste a celebridades; viste de inspiración a toda una generación.
El whiskey irlandés más querido del mundo acaba de darle un toque caribeño a su historia. Jameson Orange llega a Puerto Rico para reinventar la manera de disfrutar el whiskey: con un perfil suave, refrescante y un toque natural de naranja cítrica que promete conquistar los paladares más curiosos.
Pero este lanzamiento va mucho más allá del sabor. Jameson trae consigo una misión con propósito: apoyar lo local.
En colaboración con PRoduce, la empresa puertorriqueña fundada por Francisco Tirado que conecta agricultores con consumidores, Jameson da un paso firme hacia el compromiso comunitario. A través de esta alianza, la marca adquiere naranjas de productores locales y las distribuye entre los bares y venues que sirvan Jameson Orange, impulsando así la economía agrícola del país y celebrando el consumo de productos hechos aquí.
“Jameson Orange llega para unir lo mejor de dos mundos: la autenticidad del whiskey irlandés y la energía de Puerto Rico. Queremos que cada persona viva esta experiencia de una forma única y con propósito”, señaló Cynthia Rivera, Senior Brand Manager de B. Fernández & Hnos., distribuidor oficial de Jameson en Puerto Rico.
Esta nueva edición de Jameson fusiona lo mejor de ambos mundos: la autenticidad del whiskey irlandés triple destilado con la vibra alegre y genuina de Puerto Rico. El resultado es una bebida versátil, pensada tanto para disfrutar en reuniones cotidianas como en ocasiones especiales.
“Colaboraciones como esta demuestran que lo mejor de Puerto Rico puede coexistir con marcas globales que respeten nuestras raíces. Para nosotros en PRoduce, es un orgullo ser parte de este movimiento que une sabor y propósito,” compartió Francisco Tirado, fundador de PRoduce.
Inspirado en el clásico Old Fashioned, Jameson Orange presenta notas naturales de cáscara de naranja que armonizan con la suavidad característica del whiskey irlandés. Con 30 % de ABV y bajo contenido de azúcar, su perfil balanceado lo convierte en el acompañante perfecto para quienes buscan una experiencia moderna y ligera.
Jameson Orange no solo invita a brindar, sino también a conectar. Es el recordatorio perfecto de que los grandes sabores nacen cuando se mezclan la tradición, la innovación y un toque de alma local.
El joven artista puertorriqueño Miguel Ángel Feba presentará su primera exposición individual titulada “Flor silvestre”, que abrirá al público el jueves, 23 de octubre de 2025, de 6:00 p.m. a 9:00 p.m., en la Galería Petrus, en Miramar, San Juan.
“Flor silvestre” reúne una serie de obras de gran formato creadas mediante una técnica experimental de “piel de acrílico”, donde Feba combina capas, texturas y transparencias para construir un lenguaje visual propio. En sus lienzos, flores, insectos y formas orgánicas se convierten en símbolos de resistencia y belleza natural, un reflejo de la fuerza vital que habita en lo cotidiano.
“Esta muestra nace de un proceso intenso de observación, memoria y juego. Trabajo con capas que se transforman en piel, y en esa piel se esconden historias”, explicó Feba. “Quiero invitar al espectador a mirar con detenimiento, a redescubrir lo que parece invisible.”
Los asistentes disfrutarán de una instalación colgante que permite al visitante interactuar con la obra desde diferentes perspectivas, creando una experiencia inmersiva, lúdica y emocional.
“Las hormigas, mariquitas y abejas entre las flores representan lo que somos: trabajadores, resistentes, resilientes. Es un homenaje a lo pequeño, a lo que muchas veces no se ve, pero sostiene la vida”, añadió el artista.
La muestra es el resultado de más de una década de formación y exploración artística. Miguel Ángel Feba ha realizado residencias en Bogotá, París, Madrid y Cuenca, España, donde ha desarrollado un lenguaje plástico que combina experimentación técnica con una profunda sensibilidad estética.
“Nos honra presentar la primera exposición individual de Miguel Ángel. Esta muestra confirma su madurez artística, su sensibilidad y su capacidad de conectar técnica y emoción”, destacó Sylvia Villafañe, directora de Galería Petrus.
Como parte de su compromiso social, Feba ha donado el diseño de una de sus obras para su impresión en camisetas que se venderán por $20.00, cuyos fondos beneficiarán al programa educativo de la organización sin fines de lucro Adopta Ahora, dedicada a promover la adopción de niños de seis años en adelante bajo la custodia del Departamento de la Familia.
Esta exposición forma parte de la iniciativa Generación Reactiva, creada por Galería Petrus hace ocho años para promover artistas emergentes con formación académica en arte y diseño. El programa busca acercar el arte a nuevos públicos y ofrecer obras a precios accesibles, fomentando una cultura de colección local.
“Flor silvestre” estará abierta al público a partir del 23 de octubre de 2025 en la Galería Petrus, ubicada en el número 726 de la calle Hoare, esquina Las Palmas, en Miramar. El horario de visita es de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los sábados de 12:00 p.m. a 5:00 p.m. La entrada es libre de costo. Para más información o confirmar asistencia, puede comunicarse al 787-289-0505, 787-318-8993, o escribir a info@petrusgallery.com.
En una jornada llena de emoción y elegancia, San Juan Moda conmemoró el Día del Modelo en Puerto Rico con un evento especial dedicado a reconocer la trayectoria de quienes han marcado la historia del modelaje en la isla. La celebración tuvo como momento culminante la distinción de Carmen Salamán como Ícono de la Moda 2025, un reconocimiento que enaltece su legado profesional y su influencia en la industria de la belleza y la moda.
Durante la ceremonia, la secretaria de Estado y gobernadora interina, Rosachely Rivera, entregó proclamas oficiales a los principales directores y dueños de agencias de modelos del país, en reconocimiento a su labor en la formación y proyección del talento local hacia escenarios internacionales.
Por su parte, la senadora del Distrito de San Juan, Nitza Morán, presentó mociones de felicitación a nombre del Senado de Puerto Rico, destacando la disciplina, profesionalismo y compromiso de los modelos puertorriqueños, así como su aporte al desarrollo de la economía creativa.
Considerada una de las figuras más influyentes del modelaje puertorriqueño, Carmen Salamán inició su carrera en 1969 bajo la tutela de Anna Santisteban en la reconocida agencia Polianna. Su presencia impecable, elegancia y profesionalismo la convirtieron rápidamente en un referente de la moda en Puerto Rico y en el extranjero.
Desfiló para grandes diseñadores como Fernando Pena, Carlota Alfaro, Osvaldo Morales y David Antonio, y representó a Puerto Rico en importantes eventos internacionales en América Latina, el Caribe y Estados Unidos. Su imagen también apareció en revistas como Vogue, Seventeen y múltiples publicaciones locales, consolidando su posición como una de las modelos más admiradas de su generación.
Además de su carrera sobre la pasarela, Salamán ha sido formadora de nuevas generaciones de modelos y reinas de belleza. Dirigió el concurso Miss Carolina, colaboró con Miss Universe Puerto Rico y se ha desempeñado como mentora de talentos emergentes, dejando una huella profunda en la industria.
Para San Juan Moda, este homenaje simboliza la unión entre el pasado y el presente del modelaje puertorriqueño. “Reconocer a Carmen Salamán como ícono de la moda es rendir tributo a la historia viva del modelaje en Puerto Rico. Ella representa elegancia, disciplina y constancia; tres valores que definen lo que hoy somos como industria”, expresó Carlos Bermúdez, presidente de San Juan Moda.
El evento reafirmó la misión de San Juan Moda de continuar promoviendo la excelencia, la profesionalidad y el propósito dentro del mundo de la moda, destacando a las figuras que, como Carmen Salamán, han elevado el nombre de Puerto Rico a nivel internacional.
En la edición Lujo Silencioso de San Juan Moda, el diseñador Luis Antonio llevó al público a un viaje inspirado en la inmensidad del desierto con su colección “Sabbia”, presentada en el majestuoso Antiguo Casino de Puerto Rico. La propuesta, creada para hombre y mujer, exploró la dualidad entre fuerza y suavidad, calor y sutileza, tierra y luminosidad.
“Sabbia” nació de la contemplación del sol y la arena: tonos cálidos, texturas fluidas y una sensualidad elegante definieron la narrativa visual. El diseñador elevó el dramatismo con lentejuelas gigantes y cristales, elementos que evocaban el reflejo del sol sobre las dunas, aportando destellos de lujo sin perder la sofisticación que caracteriza su trabajo.
La colección incluyó también piezas casuales que funcionaron como complemento y extensión del universo desértico, demostrando la versatilidad del diseñador y su habilidad para crear un guardarropa completo que transita con facilidad del día a la noche.
Con “Sabbia”, Luis Antonio volvió a reafirmar su dominio de la sensualidad refinada y su impecable capacidad de convertir inspiración natural en moda contemporánea. Una noche donde el desierto respiró, brilló y caminó por la pasarela puertorriqueña.
